5月8日至12日，由教育部、文化和旅游部支持，中央音乐学院主办的2024北京现代音乐节在北京举行。今年是北京现代音乐节举办21周年，本届音乐节为期5天，内容包括精品音乐会、作曲研讨会、学术讲座三大板块。
展示中外优秀当代作品
5月8日晚，音乐节开幕音乐会在国家大剧院音乐厅举行，由指挥家吴怀世执棒北京交响乐团带来5部中外作品。
开场前，北京现代音乐节组织委员会主席俞峰和北京现代音乐节艺术总监叶小钢一同致辞，对观众的到来表示热烈欢迎。北京现代音乐节坚持不断探索、寻求新发展的艺术精神，秉持致力于普及现代音乐、促进国内外文化交流和为青年音乐家提供优质发展平台的初衷，以社会大众更易接受的方式传播现代音乐精神，旨在让更多高质量的中国现代音乐作品走向世界，为民族文化传承和创造现代文明做出更大的贡献。
北京现代音乐节组织委员会主席俞峰和北京现代音乐节艺术总监叶小钢（左）致辞
作曲家朱一清的《深灰》拉开了音乐会的帷幕。这是朱一清“Deep”系列作品中的一首，其命名将国际象棋引擎“深蓝”（Deep Blue）与机器学习中的“深度学习”（Deep Learning）概念相融合。《深灰》这部作品不仅是对声音的探索，更展现了对未知领域的挑战。作曲家将电子音乐的反馈处理，通过人工方式进行翻译、转录，同时引入创新的“扩声”手法，展现出音乐创作的更多可能性。
奥地利钢琴家、作曲家吉恩·比尔斯的作品《回音余响》，节选自其为钢琴与弦乐队而作的《第二钢琴协奏曲》。音乐会上，她亲自担任钢琴演奏。比尔斯在作品中汲取了巴赫、肖斯塔科维奇的创作精髓，同时巧妙借鉴了德国音符命名体系，将自己的名字融入作品主题，形成“fa-mi-fa-mi-si”的音符组合，这既是自我身份的表达，亦是对传统音乐的致敬。同时，这部作品呼应了比尔斯尤为钟爱的普罗科菲耶夫《第二钢琴协奏曲》，实现了跨时代的音乐共鸣与情感交流。
近年来，中央音乐学院作曲教授、作曲家贾国平一直致力于以独具个人韵味的管弦乐队配器音色描绘中国古代诗画与传统文化的核心元素，《聆籁》即是该风格的作品之一。为管弦乐队而作的《聆籁》是贾国平2018年作品。作曲家通过特殊打击乐器与多种乐器复合化音色来展现江南园林的诗情画意，通过管弦乐队的声响来刻画四季流转中变幻不断的园林景观，并借此表现其特有的融自然与人文为一体的意境之美。
《规则之韵》是英国作曲家拉里·戈夫斯2014年创作的作品。不同乐器组在作品的内部展开了数次富有表现力的对话，且每次对话都巧妙地间隔了一段空白时间，为观众留下回味的空间。
音乐会最后一首曲目是泰国玛希隆大学音乐学院院长、作曲家庞那荣为管弦乐队创作的《寂静之韵：混沌的低语》。这是庞那荣对音乐与寂静这一古老而永恒主题的探索，也是一次对听众感官的挑战与启迪。音乐与寂静相互呼应补充，共同构成了一个丰富多彩、层次分明的音乐世界。
青年作曲家思想碰撞
5月9日上午，“青年作曲家交流研讨会”在中央音乐学院演奏厅举办。看到一张张年轻的面孔，中国音乐家协会主席、香港中文大学(深圳)音乐学院创院院长叶小钢不禁想到了学生时期的自己，“当年我坐着绿皮火车从上海到北京求学。那时候我和我的同学们都怀揣着远大的抱负，想要改变世界。”四十多年过去，当代青年作曲家的创作成就已有了显著的提升和超越。但他也认为，专业音乐界仍然缺少走向市场、深受观众喜爱的作品。为此他对青年作曲家和青年学子们提出期许，“年轻的一代，你们是中国音乐的未来，希望年轻的作曲家能为中国的室内乐增添华章。”
中国音乐家协会主席叶小钢致开场词
当日论坛由国防大学军事文化学院作曲专业青年教师郑阳担任主持人，青年作曲家姚晨、罗麦朔、梁楠、覃锋达、刘鹏、刘力、白超、王阿毛、施兰、文子洋参与研讨。作曲家贾国平、庞那荣、吉恩·比尔斯也共同参与了相关议题的讨论。
青年作曲家在走向创作成熟之路上如何寻找、确立自身创作风格与特色，既是每位作曲家在成长过程中要面临的考题，也是许多作曲家终其一生都在追寻的答案。现场的作曲家们分别结合自身成长与实践经历讨论这一话题。
上海音乐音乐学院作曲指挥系副教授梁楠认为，作曲家要直面真正的自己，尽量摆脱同时代作曲家、前辈作曲家的影响。西安音乐学院作曲家副教授白超表示，风格不是刻意寻找来的，不要把风格当成自己的“紧箍咒”。在日积月累的创作中，不要给自己设定框架，多吸取其他艺术门类，慢慢地就会越来越清晰什么才是自己喜欢的、擅长的，也就逐渐能找到自己的风格和特点。
星海音乐学院作曲系教师王阿毛是从附小、附中一路成长起来的，她认为自己所接触的一切都成为自己的养分，通过不断地向自己提问，明确自己的喜好，也就逐渐形成了个人风格。四川音乐学院作曲系副教授刘鹏表示，他并非附中出身，而是在学习和实践的过程中，通过喜欢的作曲家，逐渐清楚自己想要什么。
浙江音乐学院作曲与指挥系青年教师施兰认为，创作者和风格之间是相互寻找的关系。她在穿插创作不同类型作品的过程中，让不同的风格来影响自己，逐渐放大自己的特点使之成为个人风格。中国音乐学院作曲系副教授罗麦朔从个人经历中得出一个结论——要多实践，“听多少作品、看多少总谱都不如自己亲自尝试，从了解每一件乐器开始，逐一进行创作。”
中央音乐学院作曲系教授、作曲教研室主任姚晨提到，他对自己的要求是一定不要“成熟”，要让自己永远处在发展中的状态，多给自己制造更多可能性。要抱着开放的态度不断学习，不管是本民族还是西方的文化。在创作的过程中要有合作精神，把自己的思想、信念与演奏家分享，多听取别人的建议，多与他人交流。
四川音乐学院副研究员刘力认为，作品首先要打动的是自己。作曲家以符号化的形式最先与演奏家进行沟通，只有有了良好的沟通，才能通过他们的演奏，最终感动观众。广西艺术学院音乐学院作曲系副主任覃锋达认为，每个人的创作风格都和自己的成长背景息息相关，他在创作中追求“真、善、美”，在技术风格上追求精致。文子洋是此次研讨会中年龄最小的青年作曲家。他通过在系列作品中的每部作品开头重复使用两个相同的音符，来强调个人特点，也希望以此给听众留下深刻印象。
吉恩·比尔斯认为，作曲家要维护好和演奏家之间的关系，互相理解、互相倾听。在音乐中表达爱，与演奏者和观众形成爱的关系。她建议所有作曲家都要真正掌握一门乐器，这能帮助自己更好地理解音乐；多参与跨学科研究，拓宽视野，最终会找到自己的风格。